Dal 10 novembre 2026 al 10 gennaio 2027, StudioG a Roma ospita “Gallery DC Kit”, una nuova installazione a cura di Giuseppe Stagnitta. Un progetto in cui arte, ricerca scientifica e innovazione tecnologica si incontrano per trasformare la riflessione estetica in una proposta concreta, accessibile e open source.
Può l’arte contribuire concretamente ad affrontare una delle emergenze più urgenti del nostro tempo? Per Geo Florenti la risposta è affermativa, e non si esaurisce in una presa di posizione teorica. La sua ricerca si muove da tempo proprio in questa direzione: superare i confini tradizionali della creazione artistica per individuare soluzioni capaci di incidere sulla realtà, mettendo in relazione sensibilità estetica, sperimentazione scientifica e necessità collettive.
È in questa prospettiva che nasce “Gallery DC Kit”, la nuova installazione presentata fino al 10 gennaio 2027 negli spazi di StudioG, in via Giovanni Branca 11 a Roma, a cura di Giuseppe Stagnitta. Un’opera che si colloca in un territorio di confine tra arte e tecnologia, nella quale gli elementi che compongono l’installazione coincidono con quelli di un sistema energetico concretamente riproducibile.
Al centro del progetto c’è una questione che riguarda direttamente il presente e il futuro: la crisi energetica, la disponibilità delle materie prime, la dipendenza dalle filiere produttive internazionali e la necessità di ripensare i modelli tecnologici convenzionali. Temi che Florenti affronta non soltanto come osservatore, ma assumendo il ruolo di artista chiamato a intervenire attraverso le proprie competenze.
La sua ricerca parte da un principio preciso: in un momento storico in cui le risorse sono limitate e le conseguenze ambientali dei processi produttivi diventano sempre più evidenti, anche l’arte deve interrogarsi sulla propria funzione. Non basta rappresentare il cambiamento, occorre contribuire a realizzarlo. Da qui l’evoluzione della sua poetica verso quella che definisce una vera e propria poetica dell’utilità, nella quale l’esperienza estetica si accompagna alla possibilità di acquisire conoscenze, replicare soluzioni e produrre effetti concreti nella vita quotidiana. «E’ la fine del soggettivismo concettuale nell’arte e la prevalenza della necessità universale dell’utile proposto a tutti», afferma l’artista.
Dalla luce come esperienza artistica alla ricerca di un nuovo modello energetico
Per comprendere la genesi dell’opera è necessario ripercorrere il cammino di Geo Florenti, che da quasi vent’anni indaga il rapporto tra luce, arte e tecnologie energetiche. Il suo percorso prende avvio nel 2007 alla Galleria Nazionale di Arte Antica di Roma, dove, presentato da Claudio Strinati, allora Soprintendente al Polo Museale Romano, realizza un intervento di illuminazione dedicato a due opere di straordinario valore: il Giovanni Battista di Caravaggio e La Danzatrice di Canova.
L’anno successivo, in collaborazione con la Soprintendenza alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, porta la propria sperimentazione al Museo H.C. Andersen di Roma, illuminandone un’intera area e verificando la possibilità di valorizzare gli ambienti museali e le opere senza incidere sui consumi energetici.
È l’inizio di una ricerca che negli anni coinvolgerà alcuni dei più importanti protagonisti della storia dell’arte. Attraverso le sue installazioni di luce a consumo zero, Florenti interviene su opere di Michelangelo, Leonardo, Caravaggio, Canova, Bernini, Rembrandt, Gentileschi, Vouet, Balla e Man Ray, collaborando anche con artisti contemporanei come Michelangelo Pistoletto. Un’esperienza che gli consente di sviluppare una visione della luce non più limitata alla sua funzione di elemento tecnico o strumento di valorizzazione estetica, ma intesa come materia stessa della ricerca artistica e scientifica.
Le sue sperimentazioni anticipano, inoltre, il principio che sarebbe stato successivamente definito sulle pagine della rivista scientifica Nature come “SolarIndoor”, ovvero l’applicazione del fotovoltaico alla luce artificiale per generare energia. Nel 2021 questa ricerca assume una dimensione progettuale più ampia con “Palazzo Hybrid”, ideato per la conversione dei sistemi e delle tecnologie energetiche negli edifici, in collaborazione con la Divisione Smart Energy di ENEA e la Scuola del Design del Politecnico di Milano. Un’esperienza che consolida il dialogo tra progettazione, ricerca tecnologica e sostenibilità e che trova oggi un ulteriore sviluppo nella collaborazione con la Facoltà di Ingegneria dell’Università La Sapienza di Roma.
Il paradosso dell’illuminazione contemporanea
“Gallery DC Kit” nasce anche da una precisa criticità normativa e industriale. Come racconta lo stesso Florenti nella sua Anatomia di un’Opera d’Arte del 2026, l’input progettuale arriva dalla Direttiva europea che ha avviato, a partire dal 1° settembre 2023, la progressiva eliminazione dei tubi fluorescenti al neon, in applicazione delle disposizioni europee sull’Ecodesign e sull’efficienza energetica dei prodotti per l’illuminazione.
Una transizione che, secondo l’artista, mette in evidenza una contraddizione ancora irrisolta: da un lato l’eliminazione delle vecchie tecnologie, dall’altro la difficoltà di garantire una sostituzione su larga scala attraverso sistemi alternativi realmente disponibili, affidabili e sostenibili. Il problema riguarda soprattutto gli edifici pubblici, dagli istituti scolastici agli ospedali, dagli uffici alle università, dove l’illuminazione fluorescente è stata a lungo una tecnologia ampiamente utilizzata. La conversione degli impianti richiede quantità importanti di nuovi corpi illuminanti, tempi di approvvigionamento, investimenti e garanzie di funzionamento nel lungo periodo.
Florenti individua uno dei punti deboli delle attuali tecnologie LED convenzionali nei cosiddetti Driver, i dispositivi elettronici che trasformano la corrente alternata della rete elettrica in corrente continua a bassa tensione. La presenza di componenti non sempre affidabili può determinare il guasto dell’intero corpo illuminante, anche quando le altre parti sono ancora perfettamente funzionanti. Ne derivano costi di manutenzione, spreco di materiali e un impatto ambientale che contraddice, almeno in parte, gli obiettivi di sostenibilità alla base della transizione.
A questo si aggiungono la dipendenza dalle filiere produttive asiatiche, l’impiego di materiali di diversa natura e la complessità dei processi industriali necessari alla produzione. È proprio da questo scenario che prende forma la proposta di Florenti: ripensare alla struttura stessa dell’impianto di illuminazione, intervenendo non soltanto sui corpi illuminanti, ma sulla modalità di distribuzione dell’energia.
“Gallery DC Kit”: un’opera che diventa tecnologia
L’installazione presentata a StudioG traduce questa riflessione in un sistema composto da cinque corpi illuminanti da 20 W e 33 V ciascuno e da una Control Unit da 200 W e 36 V in corrente continua. Quest’ultima integra un trasformatore toroidale, un ponte di Graetz e un condensatore.
Il principio progettuale consiste nell’intercettare la linea di illuminazione già presente nell’edificio, utilizzando i cablaggi esistenti e modificandone i parametri elettrici attraverso la Control Unit. La tensione della rete, pari a 230 V in corrente alternata (AC), viene convertita in 36 V in corrente continua (DC). Il sistema introduce così una doppia alimentazione all’interno degli ambienti: da una parte la linea ufficiale a 230 V AC, destinata alle prese elettriche, dall’altra una linea a 36 V DC dedicata all’illuminazione.
Anche i corpi illuminanti rispondono a una precisa filosofia progettuale: essere completamente ecocompatibili e realizzabili con facilità attraverso materiali e risorse disponibili localmente, secondo una logica di produzione a chilometro zero e di riduzione della dipendenza dalle materie prime e dalle tecnologie convenzionali.
In questo senso, l’opera non si limita a esporre un’ipotesi tecnologica, ma ne rende visibile il funzionamento attraverso i propri stessi componenti. L’installazione e la tecnologia coincidono: ciò che il pubblico osserva è anche ciò che può essere studiato e, secondo le indicazioni dell’artista, riprodotto. È un passaggio fondamentale nella ricerca di Florenti. L’opera d’arte non è più soltanto un oggetto da contemplare, ma diventa un dispositivo di conoscenza e uno strumento potenzialmente utilizzabile al di fuori dello spazio espositivo.
Open source: la condivisione come scelta artistica e umanitaria
La dimensione più radicale del progetto riguarda la sua apertura alla collettività. Florenti sceglie infatti di rendere la tecnologia Open Source, mettendo a disposizione le istruzioni necessarie alla sua realizzazione e commercializzazione.
Una decisione che si inserisce coerentemente nella sua idea di arte necessaria: una soluzione tecnologica non dovrebbe rimanere patrimonio esclusivo del suo ideatore, ma diventare una possibilità condivisa, capace di diffondersi attraverso il contributo di singoli cittadini, professionisti, imprese e istituzioni. «Naturalmente, questa mia azione non mira a monopolizzare il mercato; al contrario, per salvaguardare la Specie e il Pianeta e rendere questa tecnologia nativa rapidamente espansiva, dichiaro di renderla OpenSource. Chiunque segua alla lettera le istruzioni di fabbricazione (la Regula Aurea) sarà libero di produrla e commercializzarla. Inoltre, per accelerare la transizione, la scelta dell’Open Source non toglie nulla alle multinazionali produttrici di tecnologie convenzionali: pur non potendo monopolizzarla, grazie alle loro strutture produttive potranno guadagnare il doppio o più rispetto a oggi e fare innovazione reale nello stesso tempo».
L’Open Source diventa dunque parte integrante dell’opera e non una semplice modalità di distribuzione della tecnologia. La condivisione è essa stessa un gesto artistico, un’estensione del processo creativo che trasferisce il progetto dal controllo individuale alla possibilità di una partecipazione collettiva.
L’obiettivo dichiarato è innescare un processo di diffusione progressiva, nel quale ogni persona coinvolta possa acquisire gratuitamente il sistema e riprodurlo nel proprio contesto. L’esperienza espositiva dovrebbe così trasformarsi nel punto di partenza di un’azione che supera i confini della galleria e coinvolge la società.
